怎样理解本雅明时代美术的原创性？

(1) 贡布里希认为，图像有自己的语法，绘画实际上是把眼前所看到的东西转化成一种能成为我们接受和理解的造型方式，这证明绘画是一种符号体系，且独立于原型事物，他创作的每一步骤都可以说是一种不同程度的创造，显示出制作过程的不可复制性，这也是语言相比图像所具有的明显特点。

(2) 亲笔书写，再好的复制品也不等于原作。本雅明将原作的这种独一无二称为“灵韵”。 但在机械复制时代，基于照相、电影的机器复制技术，使艺术原作这一概念正在被改变，“灵韵”从机械复制时代的作品中消失，因其大量生产的特色使作品缺乏本身性和不再是独一无

二，从此艺术的膜拜价值让位于展示价值，人类也进入新的感觉时代。“灵韵”的消失，不仅仅是我们用照相技术复制原来的图像，也使原作的丰富内涵在廉价和唾手可得的复制品上荡然无存。比如之前我们看《蒙娜丽莎》必须去这幅作品所在的博物馆，但现在我们随便翻

开一本美术史、手机或者是打开电脑，图像扑面而来。正如周宪《视觉文化与转向》中所说，以前人趋近于图像，现在是图像趋近于人。在这个过程中，也就是“灵韵”的消失，使这种真实与虚拟间的距离不复存在。

(3) 本雅明很强调“距离”这个概念，“灵韵”正是在距离的基础上产生的。在传统的手工图像中，他与现实始终有一个距离，而照相机、摄影机似乎抹平了这一距离，由此便引发了思考——虚拟与真实之间的界限是否消失？根据我们的实验经验来看，照片与电影、电视再逼真也不能完全取代现实，现实依然存在，依然是图像的指涉对象。由此，机械复制时代的图像依然是一种符号，不过他的指射不是纯粹外在的现实，而是我们对现实的经验和感受。例如旅游摄影作品，指射的是某年某日，我们到过某个地方这种实际经历，这种经历和

当时的感受是不可复制的，无论拍摄的那一刻的场景还是那一刻的想法，均是不可复制的。

所以我们可以推论，即便是在机械复制时代，美术的原创性依然存在，只不过它转化为一种新的存在方式，但是不能否认它的存在现实。